Posts com Tag ‘Tim Roth’

osoitoodiadosThe Hateful Eight (2015 – EUA) estrelaestrelaestrela1_2estrela_cinzaestrela_cinza

Após tantas polêmicas quanto ao roteiro que vazou, a ponto de Quentin Tarantino quase abdicar do filme, estamos novamente com outro western spaghetti, quase um exploitation, do cineasta americano que não se cansa de suas referências. Quase um conto remetendo a história americana desse passado escravagista e racista, enquanto Tarantino não deixa de elencar que é seu oitavo filme, com seus planos cheios de estilo e outras marcas registradas, Outra repetição marcante é o ritmo pacato dos diálogos, que vão explicando os meandros do roteiro super-elaborado, e até as idas e vindas da mesma cena, sempre trazendo novos significados.

Circustancias colocam oito sujeitos dentro de uma cabana, escapando da nevasca. Caçadores de recompensa, enforcadores, um xerife e um general. O clima de insegurança se confunde com a aspereza no trato entre eles. Enquanto isso, o cinema de Tarantino segue com os sinais de cansaço da dependência de sacadas muito além do genial, que nem sempre se realizam. E a falta delas dá lugar a repetição, seus filmes persistem com narrativa palatável, com esse amor cinéfilo levado as últimas consequências. Não que isso tudo resulte no frescor de seu início de carreira.

 

chronicChronic ( 2015 – MEX) estrelaestrelaestrela1_2estrela_cinzaestrela_cinza

O segredo do roteiro, premiado na última edição de Cannes, é de oferecer detalhes de David (Tim Roth) de forma gradativa, para que o público só consiga compreende-lo melhor quando já estiver bem familiarizado com ele. Enfermeiro especializado em doentes terminais, David é tão dedicado que não parecer ter vida própria além do trabalho.

É outro típico trabalho de Michel Franco, em meio de seus longos planos fixos, o cineasta mexicano apresenta a miséria humana da situação. Explora, pacientemente, e sadicamente, os momentos íntimos dos pacientes (banhos e todo tipo de excreções), enquanto demonstra a indiferença, e sentido de obrigação, dos familiares para com os pacientes.

Franco explora momentos que quase ninguém quer ver, assim como seus filmes anteriores (Daniel e Ana, Depois de Lúcia), o indigesto como fio condutor. Para, paulatinamente, adentrar a vida pessoal e compreender os dramas de David. Poderia ser piegas e bonito, mas não, Franco está sempre em busca do choque entre imagem e reação do público, em causar afastamento, e assim conduz outro de seus filmes rumo à frieza que lhe é peculiar.

SELMASelma (2014 – EUA) estrelaestrelaestrela1_2estrela_cinzaestrela_cinza

Martin Luther King, a citação de seu nome traz à mente o ícone da luta contra segregação racial, é de se esperar um filme que faça jus à lenda criada (principalmente depois de seu fim trágico). O recorte aqui é curto, na trajetória de King (David Oyelowo), parte da entrega do prêmio Nobel da Paz, vai até os fatos decisivos para uma das mais importantes vitórias que ele, e seu grupo, obtiveram: a luta pelo direito dos negros votarem. Envolvidos estão o presidente, governantes e xerifes, e a população que, pouco-a-pouco, não pode permanecer indiferente a quase guerra civil que se instala.

Encontros com governantes, reuniões de militantes, ações ativistas, detalhes da vida particular. Mos que de  forma elegante, Ava Duvernay demonstra tamanha irregularidade nos diferentes aspectos da vida de King, que o resultado é esse libelo da luta, mas que tenta tranformá-lo numa figura tão cristalina e encorpada que o mito beira o galã. A trilha sonora no momento certo, a câmera lenta nas cenas de violência durante os protestos, as discussões com quê heroico/afetado (mocinhos e vilões bem claros) nos bastidores da política. E, obviamente, os grandes discursos de King, frente a milhares, personificando ainda mais a figura do mártir.

A direção de Ava Duvernay é acadêmica, clássica, parece realmente voltada para as premiações da corrida do Oscar, caso contrário poderia ser um telefilme (bem mais barato e com resultados semelhantes). Neste ponto, o filme carrega um pouco de azar por ser lançado exatamente um ano após a vitória de 12 Anos de Escravidão, outro filme sobre a questão racial, as injustiças e etc, porque havia os elementos básicos para o triunfo das premiações da indústria. Acabou de lado, tal qual sua própria irregularidade de não escapar da necessidade dos discursos pomposos, a cada cena, da proximidade envergonhada com a vida particular de King, com a necessidade de chocar, via violência, mas sempre via timidez. Seu melhor está nas poucas cenas de violência seca, quando a polícia ataca idosos, sem piedade, tamanha a cegueira pela segregação racial.

caesdealuguelReservoir Dogs (1992 – EUA) estrelaestrelaestrelaestrelaestrela

Numa manhã qualquer, um bando de homens engravatados (com cara de mafiosos) tomam tranquilamente um café da manha, discutem sobre a música da Madona, brigam por causa de uma gorjeta, tudo parece calmo. Quentin Tarantino acompanha aquela mesa-redonda matinal com uma câmera espreita, eram os primeiros passos de um cineasta que chegara para imprimir seu ritmo e causar frisson, reinventar a união do pop e do cinema autoral.

De um assalto “frustrado” a uma joalheria, e uma diversidade de flashbacks, somos apresentados a cada um daqueles figurões do crime. A narrativa é cuidadosa em traçar seus perfis, nos deliciando com humor áspero permeado pelo vermelho sangue que anda espalhado pelos poucos cenários. Dentro de suas excentricidades, cada personagem é charmosamente estudado, e Tarantino ousa nos fazer apaixonar por cada um daqueles brutamontes cruéis e fascinantes, num filme simples, direto e assumidamente cool que encontra a perfeição da violência gráfica e os primeiros passos desse cineasta cheio de tendências e paixões que fariam de Cães de Aluguel um clássico cult imediato.

pulp-fictionPulp Fiction (1994 – EUA) estrelaestrelaestrelaestrelaestrela

“Não odeia isso? O quê? Os silêncios que incomodam. Por que temos que falar de idiotices para nos sentirmos bem? Não sei. É uma boa pergunta. É assim que sabe que encontrou alguém especial. Quando pode calar a boca um minuto e sentir-se à vontade em silêncio.” A seqüência é longa, mas do detalhe do milk shake até a caminhada ao banheiro, há um quê de genial em cada detalhe. A câmera pegando os atores em perfil, o jogo de plano contra-plano, os cortes entre um Vincent (John Travolta) incomodado, e Mia (Uma Thurman) com olhar penetrante, a música compassada ao ritmo do diálogo, o ambiente anos 50, o tom de voz, o uso do canudo, tudo. Quentin Tarantino me ganhou, aliás, já havia me ganhado momentos antes, na primeira aparição de Mia, ou melhor, apenas seus lábios vermelhos ao microfone.

A esta altura do campeonato, falar de Pulp Fiction é chegar atrasado na festa, quando já comeram os brigadeiros. Tarantino teceu uma fascinante homenagem a literatura Pulp, criou um filme cult, inaugurou um estilo próprio e pop. Agradou q a quase todos Gregos e Troianos, ganhou da Palma de Ouro a um público cativo. Tudo isso com essa violência sanguinária, com a forte influência do Exploitation, e com essa pega tarantinesca de humor e fascínio. São inúmeras cenas inesquecíveis, que mereceriam ser detalhadas, revistas. o diálogo pré-assalto de Tim Roth, os dois gangsteres com paletós ensanguentados, os acontecimentos na loja de som, toda as sequencias com Harvey Keitel.

O sangue e a violência estão por toda a parte, a narrativa, com cronologia bagunçada é somente mais uma peça chave desse quebra-cabeças. Referências espalhada por todos os frames (espada, moto, twist), é a maneira como Tarantino orquestra tudo que gera o fascínio. Violência romântica, quase deliramos com um apertar de gatilho, o sangue jorrando, o humor sarcástico dos assassinos. Num filme sem mocinhos, os bandidos ficam mais fascinantes. Pulp Fiction é puro deleite, e delírio, cinéfilo.

estrelasolitariaDon’t Come Knocking (2005 – EUA/ALE) estrelaestrelaestrelaestrela_cinzaestrela_cinza

A certa altura da trama, o protagonista senta-se num sofá, que havia sido arremessado pela janela, e está no meio da rua com outras quinquilharias. Fica ali naquela rua deserta e a câmera fazendo movimentos de 360º contínuos, ora horários, e ora anti-horários. O dedilhar de um violão ao fundo, aquela visão de construções, e de uma poeira seca que o vento traz. O protagonista passa o dia sentado ali, sem proferir uma única palavra, sem alterar suas feições. Está perdido, mas não desesperado, vendo apenas o sol no caminho de se pôr, é a própria estrela solitária. Cena antológica.

Um decadente ator de faroestes (Sam Shepard), no meio de mais um set de filmagens, simplesmente desiste do filme e desaparece sem deixar vestígios. Larga na mão diretor, atores e toda a equipe de produção, partindo numa jornada existencial. Seu primeiro destino é visitar a mãe após trinta anos. Através dela descobre ter um filho, numa pequena cidade onde filmou um de seus sucessos do passado.

A nova parceria da dupla Wim Wenders e Sam Shepard, traz a repetição de muitas coisa vistas no clássico Paris, Texas. Mas, Wenders filma como gente grande, e por mais que não tenha agrado tanto a crítica assim, me parece um filme maduro, de quem sabe onde está pisando. O cineasta alemão trata de uma geração que agora percebe que sua fase já passou, e tenta aprender a lidar com o ostracismo. A câmera disseca o vazio que Howard carrega, por ter tido tanto e não ter construído nada. E agora no fim da vida percebe a solidão que os caminhos que escolheu o levaram.

Busca então se agarrar em resquícios do que deixou, a garçonete por quem fora apaixonado, o filho que ele nunca soube existir. E essa estranha garota loira que o persegue carregando as cinzas da mãe. Quem curtiu cada momento da vida regado a festanças, álcool e drogas, agora percebe que pouco valeu a pena, perto do que deixou de lado. É um drama existencial sim, personagens que tentam expurgar seus fantasmas.

Sam Shepard conduz esse caubói, no rosto e na suas expressões a dose certa para caracterizar o personagem, mas Shepard que me desculpe, Jéssica Lange roubou-lhe o filme, com aparições carregadas de emoção, com destaque para a cena em frente a academia.